Ricardo Ávila & Arte Objetual
En principio, interesa, para impostar esta mirada crítica a la obra creativa del polifacético y genuino artista naíf costarricense, Ricardo Ávila Baltodano (1966), pesó mucho su más reciente intervención a un violoncello que estaba dañado en su caja de resonancia, pero que él recuperó con su experiencia (instrumento de una orquesta sinfónica), con esto suma a su inventario de arte objeto, entre otros violines y guitarras, pero además monitores de computadoras, televisores, radios, muebles, que con esa carga matices significativos sostiene su investigación cultural. ¿Qué aporta Ávila al arte contemporáneo con la intervención a objetos además de su pintura de estilo naíf? Acrecienta a la democratización y resignificación del objeto cotidiano a través de los códigos característicos de un arte de resiliencia como lenguaje inconfundible de su práctica artística, cultivada desde mediados de los años noventa del siglo pasado. A este logro aporta el carácter de la estética ingenua y autodidacta propia del arte naif, pues, aunque lo orientaron en sus años liminares maestros como Pedro Arrieta (1954-2004) y Luis Chacón (1954-2025), con su empeño rompe con la rigidez del arte tradicional, transformando enseres domésticos y urbanos en piezas con alta carga narrativa y emocionalidad.
Aportes al arte objetual
Desmitificar lo académico al introducir espontaneidad y libertad formal tan propio de lo naíf, devela su principal aporte, impactando en una disciplina dominada por los discursos teóricos, demostrando que el arte objeto también puede nacer de la intuición y el juego. La resignificación de lo utilitario: puertas, ventanas, sillas, mesas, juegos, Instrumentos musicales dejan de lado la función práctica para convertirse en soportes tridimensionales y esculturas portantes del lenguaje simbólico y del color además de las contingencias actuales de la urbe, violencia, pobreza, contaminación.
Ávila elabora un cromatismo expansivo donde aplica la esencia pura del color o croma, incidiendo sobre las superficies de los objetos cotidianos, irradiando una vitalidad que modifica la percepción física de los espacios en los cuales expone estos objetos.
Suma además narrativas urbanas con el sesgo y fantasía de lo infantil, logra al utilizar el objeto modificado como si fuera un lienzo de la pintura, relatando vivencias urbanas bajo una óptica distendida, esperanzadora, libre de la melancolía que afecta al arte contemporáneo en los abordajes a las ciudades.
Las suyas son metáforas íntimas cargadas a sus ensambles e intervenciones objetuales, testimonios de sus viajes y diálogo cotidiano interno, conectando la cultura popular costarricenses con sus percepciones y vivencias globales.
La esencia de su aporte es el poder absoluto del color y fascinación con el croma, fusionada con una mirada de “soñador urbano” que transforma lo cotidiano mediando su intuición e ingenuidad artística. Pero su propuesta no se queda en lo decorativo o con la etiqueta de souvenir para turista que prostituye ese arte cuando es mal entendida su sustancia crítica, al rescatar e interpretar el entorno bajo su visión de mundo y el lenguaje naif dialogando con la cultura contemporánea y las tradiciones locales. Este anclaje lo sostiene con los siguientes pilares:
-Radiación cromática y transformación del objeto, los objetos lucen como si estuviese bajo el foco de un escenario fílmico o dramático;
-El color como motor lo considera energía irradiada sobre todo lo que ve o está a su alcance lo toca e interpreta, convierte a los objetos en esculturas que rompen con su función tradicional para transformarse en arte objetual con significados en suma actuales;
-Ingenuidad sin ataduras, en tanto elude los academicismos rígidos, o el enfoque comercial abordando tanto la pintura sobre lienzo como los objetos, con su tono desenfadado, de frescura y honestidad de la mirada de ese niño interior que lo habita a él y catapulta su creatividad. Lo fundamenta con la constante pericia técnica, porque cada cuadro, cada escultura u objeto artístico es una investigación en regla con sus bucles, parámetros asumidos con soltura, y, si se quiere, con enorme desenfado.
Crónica y utopía urbana
El imaginario de la urbe multiplica un código iconográfico propio que a veces construye estructuras de repetición: Autos, autobuses, aviones, barcos, trenes, rostros mirando de frente, espirales, laberintos, manos o pies. Son componentes actuantes reminiscentes de la vida en la ciudad y de él como morador urbano. Con esto se recuerda su muestra en la Sala de Temporales del Museo de Arte Costarricense (MAC) “Observador Urbano” en 2015, influida por uno de sus viajes a exponer en Miami, Florida.
Frente a la agresividad y violencia real, su pincel deja un rastro de esperanza y alegría, proponiendo una observación distendida que es su anhelo de ciudades verdes, abiertas seguras y culturalmente vivas, de ahí su muestra en los años dos mil en Galería Alternativa de la cual el MAC posee una pintura en su colección.
La esencia fundamental de la reapropiación, resignificación y reinterpretación es una crítica cultural y política que cuestiona el consumismo y capitalismo global. Logra reescribir las narrativas y objetos históricos o coloniales denunciando fieras dinámicas de poder, rompiendo con la noción de autoría del “genio creador” unicéntrico y ególatra, al intervenir piezas que tenían un diseño previo o eran productos de la sociedad de consumo.
Insiste en activar en la memoria la carga afectiva de los objetos usados que acumulan narrativas culturales, sociales, antropológicas, desgastes y rastros humanos que evocan nostalgia o empatía inmediata. Sirven como herramientas para explorar la identidad de género, la migración o la herencia cultural a través de esos signos fehacientes del sentido de pertenencia y comunidad.
Conexión interior para concluir
El acto creativo en él lo precede el dictado de una voz interna en un diálogo cotidiano con sí mismo, intuición o clarividencia (insight) donde se preocupa que cada mancha y elemento del cuadro concuerden con sus creencias acerca de la ciudad t la sociedad, que en sus épocas de adolescencia lo discrimina y apartó por lo cual él creció en una institución para niños abandonados: Pueblito de Costa Rica.
La evolución y absorción cultural lo marcó profundamente con su establecimiento durante seis años en la ciudad de Oaxaca de Juárez, México, donde su esencia ingenua robustecida al permear de la riquezas ancestrales y locales. Ahora aborda esos imaginarios y mitos de la cultura mesoamericana, y en especial la zapoteca.
A diferencia de los enfoques académicos tradicionales, Ávila extrae su inspiración de los elementos ordinarios que observa, toca e interpreta en el día a día, a través del carácter de su estilo naif verdadero, que nace de lo más profundo de su ser al transformar las estructuras y artefactos de la rutina humana transformándolos en piezas muy potentes o esculturas cromáticas que aparecen en escenarios de museos, galerías, o espacios citadinos.
El mobiliario y la arquitectura doméstica: Los objetos de la vida diaria, sillas u otros muebles e instrumentos musicales, actúan como soportes y referentes de su creatividad. Interviene y extrae del contexto funcional y ordinario transformándolos en esculturas de un imaginario simbólico repleto de matices y narrativas urbanas.
Las ciudades saturadas de masa humana, edificios, autos, buses son sus referentes constantes en su imaginario visual, incorpora geometría y caos propio de las megápolis actuales, integrando metáforas de los habitantes con el propio entorno artificial o recreado por su astucia con creatividad de tinte crítico, nada complaciente.
La experiencia transcultural lo marcó profunda y vivencialmente, aunque también ha viajado a Italia, Alemania, Francia, Estados Unidos, su obra posee el sentido de la recolección referencial que proviene de catar artesanías, arquitecturas locales y entornos urbanos de esos destinos nutren su identidad.
Ávila tiene un Premio Nacional Aquileo Echeverría en Pintura 2012, por su muestra “Ciudades” en la Galería Nacional. Obras suyas están en la colección del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Teorética, Museo de Arte Costarricense, Museo del Jade y la Cultura Precolombina del INS, Denver Museum, Snite Museum de la Universidad de Notre Dame en Indianópolis, Museo de la Florida, Museo del Arte Naíf de Niza, Costa Azul de Francia, y en varias colecciones privadas.
Algunas de las fotografías observadas en este comentario corresponden a su muestra “El Aula 2011” Individual en el Museo Municipal de Cartago. Fue seleccionado por Bienarte 2003 para la muestra de la Bienal Centroamericana en el Museo de Artes Contemporáneo de Ciudad de Panamá, entre muchas otras referencias importantes que sustentan su devenir en el arte de la región.
LFQ, Julio 2026
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